Entrevista: Animal Collective

“Creo que así es como funcionan los procesos creativos: no es hasta más tarde que te das cuenta de las conexiones ocultas entre las cosas que has hecho sin pensar demasiado en ellas”

Hablar de Animal Collective es hablar de una banda con la que no hay medias tintas: adorada e idolatrada por unos, en la misma medida que odiada e incomprendida por otros. Abanderados del sonido más arty de la música, los americanos son una banda arriesgada y experimentadora. A principio de año publicaban su décimo disco, Painting With, y con él llegaba la enésima reinvención de la banda: temas cortos y energéticos, alejados de las canciones atmosféricas de 8 o 9 minutos de sus discos anteriores.

Aprovechamos su paso por nuestro país, en el que han estado presentando Painting With en directo, para hablar con Noah Lennox, que a pesar de su fama de asocial nos atiende con una cordialidad cercana y reflexiva, tomándose su tiempo para contestar a nuestras preguntas. Como el resto de miembros de la banda, Lennox mantiene su independencia creativa lanzando discos en solitario, en su caso bajo el nombre de Panda Bear.

Durante las primeras conversaciones que tuvisteis Dave (Avey Tare), Brian (Geologist) y tú acerca de cómo queríais que sonara el nuevo disco, la música de Ramones fue uno de los conceptos recurrentes y acabó siendo la principal influencia a la hora de escribir las canciones de Painting With. A pesar de que vuestro sonido esté en las antípodas del punk, durante muchos años habéis trabajado sobre la base de la improvisación, que es una forma muy punk de creación. ¿Exactamente qué aspectos de Ramones queríais incorporar o utilizar como influencia en vuestras canciones?

Se trataba más bien de crear temas con el espíritu de Ramones, especialmente el espíritu de su primer disco: hacer un puñado de canciones en las que no hubiera temas lentos, lleno de energía, pero con armonía y luminosidad. Y creo que nuestro nuevo disco es así. Vale, no es un disco de guitarra, bajo y batería, pero creo que hay una energía similar en el espíritu del disco.

De hecho, es la primera vez que no utilizáis ninguna guitarra en todo el disco.

Sí, es el primero que hacemos completamente sin guitarras. Incluso el Merriweather tenía alguna aquí y allá.

¿En algún momento os sentisteis incómodos a la hora de escribir los temas con la limitación que os impusisteis de hacer canciones cortas? ¿Has estado tentado, como pasó en el disco anterior, de saltarte esta limitación y volver a escribir canciones tal y como estás acostumbrado a hacerlas?

Hm, de hecho no. Es más, creo que fue exactamente al contrario. De alguna forma disfruto teniendo esas limitaciones. Te hacen buscar caminos alternativos y hacen que la experiencia sea diferente y muy enriquecedora. En el fondo disfruto con la sensación de no tenerlo todo bajo control. Creo que cuando te colocas en un lugar en el que no estás acostumbrado a estar y te fuerzas a encontrar la manera de llegar del punto A al punto B con herramientas que no estás acostumbrado a usar es cuando aprendes algo.

Además de la estructura y duración de los temas, para este disco también habéis querido trabajar de forma distinta las voces.

Sí, la parte vocal fue una de esas cosas que desde el principio acordamos que queríamos hacer de forma diferente. Queríamos seguir haciendo canciones para dos voces, pero no tal como las habíamos hecho hasta ahora, con una voz principal y una secundaria. Queríamos crear una sinergia entre dos voces, de forma que si quitas una, la canción no funciona del todo bien porque las dos son igual de imprescindibles. Creo que Dave y yo finalmente afrontamos esta idea de forma muy diferente en las canciones que escribimos cada uno, pero también creo que básicamente se complementan.

Pero justamente la parte vocal de los discos anteriores es una de vuestras señas de identidad. ¿No os dio miedo intentar cambiar eso?

Bueno, siempre es un riesgo cuando cambias algo. Con cada disco vemos que hay quien se descuelga de nuestra música porque ya no le interesa la dirección que hemos tomado, y un nuevo grupo de gente que llega a nosotros y se acaba enganchando. De hecho, aunque siempre estemos asumiendo riesgos, hemos podido hacer discos durante todo este tiempo, así que parece que algo hacemos bien (sonríe).

Después de todos estos desafíos que os habéis autoimpuesto en este disco y de todos los riesgos que habéis corrido, ¿qué pasa por tu cabeza cuando lees que Painting With es vuestro disco más accesible? ¿Lo tomas como algo positivo o negativo?

Pues, un poco de los dos. Creo que de alguna forma estoy de acuerdo. El hecho de que las canciones sean más cortas y más energéticas las hace más asequibles. Muchos de estos desafíos, como los has llamado, son más implícitos que explícitos y pueden resultar más sutiles para el que escucha las canciones: la forma de cantar, el ritmo de las voces, la estructura de las canciones… Aunque también creo que hay algunos elementos en los temas que pueden llegar a resultar complicados para el que escucha, como el sonido abrasivo de los sintetizadores. Es cierto que la luminosidad en las melodías y su energía los acerca de alguna manera a lo que podríamos llamar pop, pero creo que siguen pasando cosas en los temas que no son demasiado convencionales, aunque quizá no de forma tan obvia como en discos anteriores.

Es curioso porque el ritmo de los temas es frenético y en cada canción pasan un montón de cosas a la vez. El disco desprende cierta urgencia adolescente que normalmente no se da en una banda que acaba de publicar su décimo disco.

(Risas) ¡Es verdad! (Y tras un momento pensativo, continúa) pero no puedo explicar exactamente por qué. Es la música con la que nos sentimos felices ahora mismo. (Tras una nueva pausa para reflexionar) Me pregunto si se debe a que dos de nosotros tenemos hijos jóvenes… tal vez. No sé, esta es la mejor respuesta que se me ocurre.

Creativamente podemos estar en sitios distintos, pero siempre hemos sido capaces como banda de encontrar la manera de armonizar las perspectivas de cada uno.

Desde hace 12 años vives en Lisboa mientras que Dave y Brian siguen en Estados Unidos. Estando tan alejado desde hace tanto tiempo ¿crees que cada vez es más difícil conectar con el resto de miembros de la banda? Y no me refiero a una conexión personal sino más bien a entender el momento artístico en que se encuentra cada uno, sus inquietudes y curiosidades, conectar con las letras que escriben…

Esto es algo que va y viene. Me refiero a que no siempre estamos todos en la misma página, por decirlo de alguna forma. Creativamente podemos estar en sitios distintos, pero siempre hemos sido capaces como banda de encontrar la manera de armonizar las perspectivas de cada uno. Es un poco como estar en una relación de pareja en la que cada uno es diferente y tiene sus propias ideas, pero tratas de armonizar todas las ideas porque de otra forma hay alguien que es infeliz.

No puedo hablar por los otros, pero yo, de hecho, nunca he sido una persona muy comunicativa. No necesito hablar con alguien cada día para sentirme cerca de esa persona. De hecho mis mejores amigos son los que puedes estar un año sin ver y cuando coincides en una habitación retomas la conversación como si hubieras hablado con ellos ayer. Así es como siento mi relación con el resto de miembros de la banda. No hablamos demasiado… incluso entre giras a veces pasamos mucho tiempo sin hablarnos, pero luego cuando nos juntamos parece que ayer mismo estuviésemos de encima del escenario.

Para la presentación del primer adelanto de Painting With, “FloriDada”, el tema se reprodujo en loop por los altavoces del aeropuerto de Washington justo el fin de semana en que mayor cantidad de personas viajan en el país, para la celebración de la fiesta de Acción de Gracias. Me encantó la idea de escuchar un tema mientras esperas para volar a casa, usar Shazam para encontrar el título y el nombre del grupo, compartirlo a través de Instagram… Todo muy tecnológico y muy global. ¿Cómo surgió la idea y cuál fue el concepto?

Me encantaría poder decir que teníamos algún plan maestro, pero no es así. No recuerdo que tuviéramos una conversación concreta sobre el tema, pero sí que hemos hablado muchas veces acerca de cómo las fechas de publicación de un disco han dejado de tener sentido. El disco se filtra o la gente lo escucha en streaming antes de que esté en las tiendas, así que es muy difícil conseguir que el lanzamiento de un disco sea un evento. Pensamos que sería una buena idea presentar el disco en algún sitio para convertirlo forzosamente en un evento. Pensamos en un centro comercial o en un aeropuerto, pero finalmente teníamos un conocido en un aeropuerto y acabó pasando ahí.

La verdad es que nos parecía simplemente algo guay, pero ahora que lo veo retrospectivamente, sí que creo que hay una conexión con las letras del disco, porque el espíritu en las letras de muchas de las canciones es acercar a la gente y que esté más unida. Así que me parece muy acertado reproducir una canción en un espacio donde hay tanta gente diferente y acercar a todas esas personas que no se conocen. Pero ya te digo que me encantaría poder decirte que fue algo premeditado. (Se queda un par de segundos pensando) Me imagino que así es como funcionan los procesos creativos: no es hasta más tarde que te das cuenta de las conexiones ocultas entre las cosas que has hecho sin pensar demasiado en ellas.

En este disco habéis perdido a Josh (Deakin). ¿Es una marcha definitiva o volveremos a escucharlo en próximos trabajos de Animal Collective?

Estaría muy sorprendido si no volviera para próximos discos, pero esto es algo que siempre ha pasado en Animal Collective, desde que empezamos, y es que nunca hemos querido mantener una idea muy estricta de cómo debía funcionar la banda y cual debía ser su composición. Antes de hacer música como Animal Collective ya hacíamos música por separado, así que siempre ha sido muy importante para nosotros preservar nuestras identidades creativas individuales. No creo que la de Josh sea una marcha definitiva y que esta sea la configuración final de la banda. En cualquier caso, solo el tiempo lo dirá.

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