Arde Bogotá: «No creo que poner un precio dinámico a las entradas sea algo que nos represente»

Manuel Pinazo
13 de octubre de 2026

Arde Bogotá regresan con su tercer disco, Manufacturas del Club de la Gente Sola (MCGS), un manual de instrucciones para confeccionar un corazón que no sienta.

Una especie de reválida que llega tres años después de ese Cowboys de la A3 con el que multiplicaron audiencias y se convirtieron en una de las bandas de rock más exitosas y con más proyección internacional de la escena.

Un conjunto de canciones producidas por Joe Chiccarelli (Spoon, Broken Social Scene, Morrissey) y grabadas en los míticos EastWest Studios de Los Ángeles que llegan tras una extensa labor de composición, experimentación, ensayo y búsqueda.

Aprovechando su publicación y la inminente gira de presentación de diez fechas en Vigo, Gijón, Granada, Málaga, Madrid, Valencia, Alicante y Murcia, hablamos con Antonio, Dani, Jota y Pepe del nuevo paso de Arde Bogotá, su proceso de creación

«Ya no somos los mismos que hicimos Cowboys; tenemos otras influencias, escuchamos otra música y estamos en otro momento vital»

Manufacturas del Club de la Gente Sola (MCGS) llega después de que Cowboys de la A3 os colocara en una dimensión enorme. ¿Cómo se compone un tercer álbum cuando existe una expectativa exterior tan grande?

Antonio: Hubo nervio y presión autoimpuesta y hubo vértigo, que es un poco por donde entiendo que va la pregunta. Creo que sí que hubo un poco de tensión en ese respecto. Pero lo más interesante que nos dio haber hecho un álbum como ese antes, fue que para enfrentar la composición de este nuevo nos planteamos de antemano lo que queríamos hacer. Teníamos claro lo que queríamos que fuera el tercer disco de la banda y qué queríamos que representara a nivel creativo dentro del proyecto. Era ver si teníamos que dar un paso en una dirección nueva, ver si seguíamos en lo mismo, o nos dejamos llevar y a ver qué salía de ahí. Y yo creo que esa meditación vino de la suerte que habíamos tenido con Cowboys, que fue un disco que nos cambió la vida.

¿Habéis tenido que aprender a distinguir un poco entre lo que queríais hacer y lo que se esperaba de vosotros? ¿Había un poco ese vértigo?

Dani: Teníamos bastante clara la evolución que queríamos tener como banda y hacia dónde queríamos apuntar. Es cierto que siempre hay detrás lo que la gente espera que saques. Esperan otra vez “Los Perros, “La salvación” o “Cowboys”… seguir recibiendo un poco de lo mismo, pero creemos que nuestra obligación como banda es evolucionar y explorar dentro de nosotros mismos. Ya no somos los mismos que hicimos ese disco; tenemos otras influencias, escuchamos otra música, estamos en otro momento vital y por ello, la música inevitablemente sale diferente.

Se ve que el disco tampoco busca un hit claro, es un trabajo más para escuchar al completo.

Antonio: Lo que primamos todo el rato en el proceso fue una búsqueda, ver de qué formas podíamos llegar a la emoción y encontrar canciones que nos emocionaran. Para nosotros eso las convierte en hits, todas son hits, aunque es verdad que hay un punto de enrevesamiento en la mayoría de los temas que a lo mejor una canción más inmediata no tiene, si es a lo que te refieres. Que sea así es deliberado para poder encontrar otros caminos y ver qué más puede hacer Arde Bogotá.

Entre Cowboys y Manufacturas publicasteis “La Torre Picasso” y “Flores de Venganza”. ¿Las veis como un puente entre etapas o como canciones de transición?

Antonio: “La Torre Picasso” era un tema que en nuestra cabeza tenía que haber estado en Cowboys, pero de forma muy acertada Lalo Gómez Vizcaíno, que fue quien produjo el disco, nos dijo que lo mejor era trabajarlo separado porque merecía un tiempo de dedicación mayor. Y así lo hicimos y acertamos. Y luego “Flores de Venganza” pertenece a una exploración que hicimos, a un tiempo de composición que tuvimos en el que empezamos a ver varios proyectos y opciones. Creo que haberla trabajado con Alizzz y con Ferrán nos ayudó también a encontrar caminos nuevos y a empezar a ver sonidos que luego han tenido mucho sentido en Manufacturas. Con lo que quizá sí podríamos considerar a esta como puente entre discos.

El título del disco nuevo, Manufacturas del Club de la Gente Sola, parece contener una paradoja. ¿En qué momento entendisteis que estas canciones hablaban de una forma u otra de la soledad?

Antonio: Lo cierto es que la soledad, excepto el “Club de la Gente Sola”, no aparece como eje central, sino que va sobrevolando el álbum. Se habla de intentar eliminar el sentimiento de una forma muy directa, se habla de sentimientos que uno no puede controlar o que no sabe cómo encajar porque son deseos desmedidos, como una culpa, una tristeza. Una soledad no como tal, sino la consecuencia de apagarte el corazón, de dejar de sentir, de lo que es quedarte solo. Y ese es el riesgo con el que corres y también es la identidad que caracterizaría a los seres humanos, que a veces quisieran portar corazones de hierro.

¿No pensáis que estas instrucciones al final acaban conduciendo al resultado contrario? A la compañía.

Antonio: Claro, es un poco la moraleja que sacamos cuando terminamos de componer las canciones. Partíamos de la idea de Señor Herrero, de oye, ¿qué pasaría si te hicieras un corazón que no siente? Y al final nuestra lectura es que hay cosas que te atraviesan. Hay veces que hay cosas que no llevas bien y eso no quiere decir que funciones mal o que estés haciendo algo incorrecto, sino que simplemente eres humano y te toca apechugar con ello.

Habéis hablado de nuevas influencias, de nuevas cosas que habéis escuchado durante estos años. En directo parecéis casi una banda de Stoner rock.

Dani: Puede ser. Siempre hemos dicho que somos una banda de directo y nunca hemos escondido que nuestras influencias suelen ser, sobre todo, los Arctic Monkeys de la época stoner, digamos, cuando conocen a Josh Homme, de Queens of the Stone Age. Y creo que, precisamente a partir de «Flores de Venganza», como experimento, es más fácil también llegar a la experimentación y contundencia que ocurren en este disco. No es solo lo que hemos traído nosotros, sino lo que hemos hecho con Joe: ver distintos tipos de sonidos en la producción y en la mezcla. Pero creo que lo divertido es que, dentro de ese stoner, canciones como «Hervidero», que quizá es lo más evidente, dejan colarse influencias muy locas, también de la zona donde vivimos. Pensamos que eso es lo guay: experimentar con esos estilos.

Sí, hay un curioso contraste porque canciones como esa “Señor Herrero” o “Instrucciones”, tienen ese aire a lo Queens of the Stone Age o a esos Arctic Monkeys… Pero luego “Hervidero”, en cambio, suena hasta sexy, ahí con sus falsetes.

Antonio: (Risas) gracias, tendré que apretarme las gónadas en directo. Nos gusta habernos abierto a eso, algo que también hacen los Queens, son bandas que como que juegan mucho con la ironía y con sus propios coros. Pasa con ellos, pero también en los Foo Fighters, pasa en Eagles of Death Metal… Y, curiosamente, “Hervidero” es una canción que, dentro del drama y el aparente blindaje emocional del disco, deja espacio para que se observe desde la comicidad. Dijimos, ostia, ¿metemos coros femeninos? No, vamos a reírnos un poco más, vamos a hacer nosotros los coros femeninos al menos de esa canción.

Hablando de coros, el tema final, “Sacude”, termina con un coro flamenco. ¿Cómo surgió llegar ahí?

Antonio: Desde el principio del proceso de componer el álbum, la idea de abrazar otras músicas que no fueran solo el rock and roll que veníamos explorando. La primera canción que hicimos fue “El Tesoro”, y ya las percusiones tenían una cadencia andaluza. Vimos que aquí podíamos meter unas palmas, y aquí este tipo de ranqueo… teníamos muy claro poder explorar por ahí y según avanzábamos fue yendo a más.

Lo que pasó es que “Sacude” es uno de esos temas que trabajamos mucho con Joe para intentar encontrarle un camino distinto de como nosotros lo habríamos intentado explicar. La canción se terminó yendo a un lugar más Michael Kiwanuka o poco más góspel. Y como no queríamos abandonar la idea de meter un coro flamenco, que era algo que desde el principio habíamos imaginado para la canción, pues le pedimos a Selenia y a Chacón, que son dos cantantes de Cartagena maravillosos, que probaran, que le tiraran unas armonías. Nos las enviaron a Los Ángeles y fue como ¡guau! cambió la canción radicalmente, la llevó a otro sitio. Y bueno, forma parte de la apuesta sonora que vamos haciendo a lo largo de todo el disco, y que afortunadamente creo que cae en un sitio que por lo menos nos emociona mucho.

Está claro Antonio, que tu voz con el complemento de una voz femenina queda bien, ¿os habéis planteado meter algún coro o hacer algún dueto en el futuro?

Antonio: Sí, en el experimento de “Sacude” salió guay, y en “Olivos”, que también canta Selenia, queríamos buscar un poco eso, como una voz con algo que anuncie que este tema es muy trágico, pero que a lo mejor puede llegar a otro punto de emoción. Pero lo que dices de coros o duetos, la verdad que esta banda colabora poco con otros artistas, porque ya bastante tenemos con aclararnos entre nosotros cuatro, como para tener que aclararnos con otro más (risas), pero sí, es algo que podríamos hacer en un futuro.

En Antifiesta hay una frase que hace referencia a las canciones tristes de The National, teniendo ahí a Joe Ciccarelli como productor, ya le podíais haber hecho un guiño y haber nombrado a Morrissey, ¿no?

Pepe: A mí es que me parece más triste The National, Morrissey es una persona… complicada (risas). Estábamos allí cuando salió el disco, que tardó mucho en salir y tuvo sus retrasos. Joe estaba súper orgulloso de que saliera. La verdad que nosotros somos un poco más fans de The National, yo creo.

Hablando de Joe Ciccarelli, su trabajo ha sido importante en el disco, ¿qué recuerdos se os va a quedar de haber podido grabar con él, ya no solo en Los Ángeles? He leído también que fue incluso a visitaros antes a casa, antes de que viajarais allí.

Jota: Así es, Joe Ciccarelli se vino a Cartagena. Le gustaron mucho las maquetas que le mandamos y se vino a trabajar con nosotros en las canciones. Enseguida se nos planteó irnos a grabar a Los Ángeles o a Marsella. Elegimos Los Ángeles porque Marsella salía infinitamente más caro, y eso que está más cerca. Y recuerdos muy positivos. Un poco de todo, hemos aprendido maneras de trabajar nuevas, maneras nuevas de cómo grabar un disco.

Fue la primera vez que lo grabábamos en directo, los cuatro en una sala muy grande de EastWest Studios, y fue también como darle una vuelta un poco más atrevida. Recuerdo un aparato que de repente sacó el tío, un theremín con un sonido increíble como del espacio que metió en una de las canciones. Su manera de trabajar que es muy férrea, es un tipo que exprime a la banda para intentar sacar todo el jugo de la experiencia, y eso se nota en el cansancio, en la frustración, en la ilusión, en el intentar animar al compañero.

Toda una experiencia.

Dani: Sí, porque hacíamos de 15 a 20 tomas por canción todo el día, algunas se reconfiguraban a última hora y todo esto sacaba frustración, sacaba ilusión, e incluso tuvimos que reformular algunas canciones antes de la grabación porque les habíamos encontrado cosas nuevas. El definía el proceso como si fuera una olla a punto de explotar, o un motor a punto de explotar. Esa tensión, esa presión que hace que todo parezca peligroso, pero nunca sabes cuándo va a reventar. Y esa tensión se nota en el resultado final.

También ha sabido sacar partido de que el directo es una de vuestras principales fortalezas. No sé si ha sido muy diferente la grabación de este disco en cuanto a técnicas o lo que hayáis experimentado respecto a los otros dos.

Jota: Muchísimo. Venimos acostumbrados a una forma de trabajar muy diferente en la que se trabaja cada pista aislada, cómo se grababa, cómo trabajaba cada instrumento… Y esto ha sido muy diferente. Con Lalo todo iba muy preparado a la hora de grabar. Se hacían preproducciones y cosas previas que dejaban el disco prácticamente listo, y luego era como repetir la grabación para dejarla limpia. Y aquí se jugaba a otra cosa. Creo que había un misterio muy grande cada vez que entrábamos al estudio, porque es posible que la composición fuera incluso diferente, y que de ahí salía otro solo, otra línea y otra forma de mirar la canción. En cada toma hay un ejemplo de creatividad, y Jou se quedaba con la que quería. Creo que son dos formas de trabajar muy válidas, pero esta tiene más que ver quizás con el momento en el que estamos ahora, más de banda y más orgánico.

Tenéis ahora la primera toma de contacto con los fans en esos llamados Hervideos, conciertos en salas pequeñas para lo que ya estáis acostumbrados, con un aforo mucho más controlado. ¿Qué esperáis de esta experiencia?

Antonio: Ahora mismo estamos trabajando en pulirlo, porque la idea es acercarnos mucho a la gente, tenerla muy cerca, intentar construir la música entre todos. Para nosotros era esencial presentar el disco así, ir a una sala de conciertos y que la primera vez que suelen las canciones sean en un espacio que a nosotros nos encanta y que nos ha convertido en aficionados a la música y en músicos también.

Me llamó la atención, como a todo el mundo, que pusierais las entradas a la venta en taquilla. Dada vuestra magnitud, ¿os veis con capacidad de controlar algo cómo será la venta ya en grandes aforos? Los precios dinámicos y esas cosas.

Antonio: Estamos preocupados por el asunto y sí que estamos en la voluntad de tener un control sobre cómo se comercializan nuestros conciertos para que sea de una manera que nos parezca apropiada para la gente que nos sigue y para el proyecto. En base a eso fue por lo que tomamos la decisión de poner las entradas en taquilla, porque era una gira con un aforo limitado y pensábamos que era la mejor opción. Ahora estamos preparando una gira más amplia y estamos viendo cómo hacerlo, porque evidentemente la opción de las entradas físicas parece bastante difícil. Para eso está la tecnología, claro, pero no creo que un precio dinámico sea algo que represente a Arde Bogotá, la verdad. De la misma manera que tampoco nos han gustado nunca los front rows ni cosas así. Tenemos que ver cuál es la mejor opción para la gente, que al final es de lo que se trata.