Con Stray Dogs (Sony Music, 2026), Nothing But Thieves han logrado confeccionar su álbum más ambicioso hasta la fecha. El que mejor condensa las cualidades de su sonido: guitarras poderosas, ritmos de vértigo y unas melodías que miran a diferentes lugares, combinando accesibilidad con ciertas dosis de riesgo. Urgencia no exenta de matices, al servicio de unas canciones capaces de remover desde diferentes ángulos.
Aprovechando su lanzamiento, charlamos con su vocalista Conor Mason sobre este momento clave en la trayectoria de una banda inquieta, reaccionaria y que atesora una dinámica que los ha situado como una de las bandas de rock más en forma del panorama británico actual.
Mason nos atiende amable y transmite una calma que contrasta con la furia de sus canciones, banda sonora de un momento en el que la música tiene mucho que decir como antídoto ante una deriva mundial que parece no tener fin. En su discurso habitan esperanza y desasosiego, leitmotiv de una generación demasiado acostumbrada a la incertidumbre y la inestabilidad.
«Me gustan las bandas que parten de una canción acústica, nosotros quisimos hacer eso. Coger una demo que sonara desnuda y empezar a trabajar desde ahí»
Sois un grupo que ha construido su identidad sobre la tensión entre lo melódico y lo brutal. Cinco álbumes después, ¿sentís que en Stray Dogs esa tensión se resuelve de otra manera, o simplemente cambia de forma?
Es interesante, nunca me lo han preguntado. Deberíamos consultarlo con los guitarristas de la banda. Somos una banda de múltiples personalidades. Como compositores, todos amamos una gran variedad de música. Joe es un roquero clásico. Dom está muy interesado en el rock. Y a mí me tira mucho el folk., y la belleza del compositor de canciones, como algo artesanal. Así que creo que hay un montón de contradicciones entre nosotros. Y no creo que podamos cerrar eso. Fruto de ello, va a haber un contraste de canciones que suenan agresivas y hermosas al mismo tiempo. Hay una canción en este disco que captura esa dualidad. Proyecta un tipo diferente de felicidad. Es la última canción del disco. Y es como un epítome de tu pregunta, ya que tiene un coro muy a lo Beatles. En el escenario, se produce una dicotomía muy extraña. Pero sí, es interesante que lo hayas notado.
Después de Dead Club City, un disco construido alrededor de un universo conceptual muy definido, Stray Dogs parece partir de una idea mucho más directa. ¿Cómo surgió el concepto del nuevo álbum?
Queríamos evocar una sensación que capturara un momento determinado, en lugar de pensar demasiado sobre otro mundo. Representar una forma de arte plástica e instantánea que resulta agresiva a su manera. Buscamos escribir algo que resultara muy orgánico, muy vivo, que proyectara lo que somos cuando tocamos en directo, reflejando la conexión que existe entre nosotros y entre nuestros fans, lo cual fue un poco complicado, porque normalmente escribimos un montón de canciones, y nos divertimos. Después de mucho tiempo operando de la misma manera, nos preguntamos que significaba la banda para cada uno de nosotros. Así que ese fue el punto de partida esta vez.
Stray Dogs supone un regreso a Angelic Studios, el mismo lugar donde grabasteis vuestro debut, ¿Se buscaba una vuelta a los orígenes?
A veces puede ser tan sencillo como que en Reino Unido tienes que saber dónde están los mejores estudios. Este estudio tiene uno de los mejores sonidos de percusión que jamás haya escuchado. En Reino Unido hay muchas bandas que lo usan por ello. Y Dom, nuestro productor, lo recordaba de la anterior vez que grabamos allí. Ese fue un gran motivo. También existía cierta nostalgia y grandes recuerdos por estar allí grabando diez u once años antes, cuando apenas teníamos veinte años. Ahora estamos en la treintenas, la mayoría de nosotros, y sientes que la gente te juzga de otra manera, que esperan más de ti.
Parece que cada álbum reacciona contra algunas decisiones del anterior. ¿Necesitáis sentir ese punto de ruptura a cada paso?
Sí, es una buena pregunta. Creo que generalmente escribimos como respuesta a nuestro último álbum. Con el anterior disco, hicimos algo muy conceptual, muy pulido, muy científico a su manera. Y los tres de la banda que componemos: Dom, Joe y yo, nos sentamos el primer día en nuestro estudio y todos estuvimos de acuerdo: “vamos a ir tan lejos como posible”, pensamos.
Fue algo muy instintivo para nosotros tres, hacer lo contrario a lo que habíamos hecho antes. Escribir un álbum de rock en una habitación sin depender de grandes trucos de producción. Solo guitarras y melodía.
Dominic, además de su faceta como guitarrista y compositor, asume en el disco el papel de productor. ¿Que lecciones aprendisteis en estos diez años para comenzar a trabajar con esta dinámica?
Hemos estado trabajando muy conectados con Dom, muy cerca de él durante los últimos diez años. Sus habilidades como productor han ido creciendo. Hizo algunas canciones en Moral Panic (Sony Music, 2020), y luego produjo a un artista llamado Jonathan Gilmore.
En este disco se le ve mucho más confiado, probando cosas nuevas. Hicimos unos seis o siete meses de demos. Grabamos rápido esas primeras tomas, así que pudimos pasar mucho tiempo puliendo detalles de cada canción. Esta vez, las demos están más cerca que nunca del producto final, porque hemos trabajado muy duro para conseguir un sonido excelente, así que sabíamos lo que buscábamos en el estudio. Y creo que a Dom le gusta trabajar así.
Dom ha ido adquiriendo más experiencia y ahora tiene un montón de habilidades como productor. Esta vez, pasamos unos seis o siete meses componiendo temas, así que luego tuvimos un montón de tiempo para trabajar en los detalles de cada canción. Las versiones finales están muy cerca del sonido de las demos esta vez.
Habéis dicho que esta vez escribisteis el disco juntos durante cinco meses en lugar de desarrollarlo mientras estabais de gira. ¿Qué pensáis que es mejor de haber trabajado de esta manera?
Sí, creo que tiene pros y contras. Esta vez sabíamos muy claro a donde íbamos y eso se notó desde el principio al entrar en estudio. Me gustan las bandas que parten de una canción acústica, y nosotros quisimos hacer eso. Coger una demo que sonara desnuda y empezar a trabajar desde ahí. Pero luego tienes que pensar que estás alquilando un estudio que te cuesta mil libras al día. Por contra, no teníamos la perspectiva de estar lejos del estudio así que escribimos tanto juntos durante cinco meses, y no tuvimos muchas pausas. Así que como estuvimos viajando tanto en la gira, solo teníamos espacio y tiempo en el avión o en la furgoneta para escuchar con perspectiva lo que íbamos haciendo. Me gustaría volver y estar semanas lejos del estudio para poder escuchar las canciones y coger perspectiva, poder detectar cosas a mejorar y dedicarles más tiempo aún.
“Baby Kool (Evelyn)” remite abiertamente a Nirvana, Sonic Youth o Pixies. ¿Es el indie noventero norteamericano una influencia en estas canciones?
Sí, absolutamente. Creo que la delicadeza que había en la música de Smashing Pumpkins, también ha tenido una gran influencia en este disco. Siempre me gustaron, y estaban presentes en mi cabeza mientras componía. Creo que cuando las bandas tienen coros pop, escriben de una manera muy inteligente. Creo que Nirvana lo hace muy bien. Es música de pop muy bien disfrazada. Nada es perfecto en esas bandas, pero se siente vivo. Así que sí, definitivamente fue una influencia. Un tipo diferente de felicidad y necesitábamos abordar un lado más delicado y emocional de nuestro sonido.
“A Different Kind of Happiness” o “I Needed You Then, I Need You Now” muestran una faceta más delicada y emocional. ¿Fue difícil decidir que ese contraste formara parte del mismo disco?
Cuando traje la melodía era muy folk, y tratamos de hacerla más grande. Cuando llegamos al proceso de grabación dijimos: “¿por qué no lo llevamos a su versión folk, donde es solo una canción muy íntima?”.
El álbum ya es bastante intenso, y es genial tener una canción así, con una letra más dulce. Así que fue una decisión perfecta, tener un poco de aire fresco. No creo que hayamos escrito nunca una canción tan buena. Es una canción muy importante para nosotros.
Echando la vista atrás, hacia los cuatro discos anteriores, ¿hay alguno con el que sintáis que Stray Dogs dialoga más directamente?
En realidad creo que los dos primeros discos, en el sentido de que conectan por lo orgánicos que suenan, capturan la energía de lo que somos en directo.
Con los años habéis incorporado electrónica, pop, metal o incluso elementos más cercanos al hip hop sin perder vuestra identidad. ¿Existe algún territorio musical que todavía no hayáis explorado y os interese?
Lo sé, hemos ido probando diferentes cosas, porque escuchamos muchos géneros diferentes. Estoy obsesionado con la música, y para que algo me conmueva ha de tener alma. A veces intento incluir elementos de r&b o soul en las canciones ya que me gusta buscar caminos nuevos, avanzar y probar.
¿Cuáles son vuestros planes inmediatos ahora que lanzáis el disco?
Ahora mismo, con todo lo que hay ya programado en cuanto a conciertos y festivales, me cuesta pensar mucho más allá de eso, pero después encontraremos la calma para seguir escribiendo, que es lo que mueve a esta banda. Tenemos programada una gira por UK para la que tenemos mucha ilusión, y unos cuantos festivales.
¿Qué piensas sobre el estado de la escena rock actualmente?
Es genial. Diría que una gran parte de esa buena salud se debe a bandas como Fontaines DC, y si vamos atrás, Wolf Alice o Royal Blood. Es fantástico. Me siento como un niño en una tienda de juguetes. Hay tantas bandas buenas hoy en día y tanta música interesante. Creo que se debe, en gran medida, a que la gente quiere escuchar cosas que suenen reales, no productos prefabricados.
Con los momentos tan difíciles que estamos atravesando a nivel mundial, ¿qué papel crees que tiene la música como antídoto para sobrellevar esta coyuntura tan nefasta?
Esa es una pregunta muy profunda. Todas las formas de arte, no solo el rock, tienen un papel muy importante. Si tu arte es de verdad, no puede mantenerse ajena a todo lo que está pasando. Tener recursos en el mundo del arte para sobrevivir a tanta destrucción, es fundamental hoy en día. Vivimos en un mundo muy desigual. Cuando la gente tiene la oportunidad de ver a un artista en directo, la energía que se genera, esa experiencia, es algo tan importante para el alma.
