Llegamos al final de nuestro especial con las mejores canciones de la década de los 90. Cinco días en los que hemos ido haciendo un repaso que entendemos más como visión poliédrica, que como ranking, que esperemos hayáis disfrutado. En unos meses continuaremos el recorrido por la siguiente década.
Gracias por su participación al equipo de Muzikalia que ha colaborado: Pablo Almendros, Berto Álvarez, Carlos Artero, JJ Caballero, Edu Cornejo, Álvaro de Benito, Raúl del Olmo, Chema Domínguez, Juanjo Frontera, Raquel García, Txus Iglesias, Raúl Julián, Toño Martín, Paco Mayoral, Luis Moner, Fidel Oltra, Manuel Pinazo, Amaia Prados, Edu Puig, Pedro Rubio y Víctor Terrazas.
20. New Order – Regret
Es innegable que la mayor parte de canciones eternas de New Order llegaron en la década de los 80, pero los de Bernard Sumner aún guardaban un tesoro a buen recaudo, una «Regret» que no solo daba lustre a un disco menor, sino que pasó a convertirse desde su publicación en 1993, en una de las imprescindibles de su catálogo. Su pop cristalino y un estribillo demoledor construidos sobre esa base rítmica Hook/Morris que tantas alegrías nos ha dado desde tiempos de Joy Division. Gloriosa.
Manuel Pinazo
19. Sonic Youth – Sugar Kane
De sus treinta años de carrera, fue la década de los 90 la que dio mayor presencia mediática a Sonic Youth gracias a discos como Goo (1990), Dirty (1992) Washing Machine (1995) o A Thousand Leaves (1998). Posiblemente Dirty sea su trabajo más compensado, un álbum de su tiempo con todas sus virtudes concentradas en su minutaje. «Sugar Kane» es un prodigio pop bañado en sucias guitarras y un brillante desarrollo. Todo un hit, para una banda que presumía de no tenerlos.
Amaia Prados
18. Enrique Morente & Lagartija Nick – Omega (Poema Para Los Muertos)
Genuflexión. No le digamos tema, llamémosle como se merece, OBRA MAESTRA. Morente destrozó los fundamentos sagrados de la liturgia musical. Este track, de más de 10 minutos, acoge de todo un poco; experimentación, flamenco, rock, punk, poesía y hasta una suerte de psicofonía flamenca. Imprescindible escuchar de principio a fin para entender su grandeza.
Toño Martín
17. Portishead – Roads
Aunque la fama se la llevaran los sencillos como «Sour times» o «Glory box», para mí la joya oculta (bueno, no tan oculta) de Dummy siempre fue «Roads». Los que tratamos de controlar muchos demonios internos nos conmovemos con una letra que habla de elecciones, de luchas, de no entender lo que nos pasa. Si escuchas la versión en directo del Roseland NYC Live entrarás en un terreno casi místico en el que la voz de Gibbons (y los silencios, qué importantes los silencios) te guía hacia un sitio al que no sabes si quieres ir.
Fidel Oltra
16. Daft Punk – Da Funk
Aunque difícil de creer, «Da Funk» tuvo sus orígenes estilísticos en la ambición de recrear cierta influencia hip hop y G-Funk en todo en lo relacionado con sus repetitivas melodías electrónicas y con su tempo. Y es que, a pesar de haber sido lanzado un par de años antes de rescatarlo para Homework -el primer elepé de los franceses-, este tema aportó una nueva perspectiva a la música electrónica, donde un incesante bajo sintetizado y un sampler hipnótico se codeaban con ciertas reminiscencias house. Pero, ante todo, abrió las puertas de la fama a la manera de entender la música de baile à la française, la cual seguirían abanderando años después a base de reverb y efectos cercanos al disco.
Álvaro de Benito
15. Primal Scream – Movin’ on up
Es escuchar ese raca-raca de la acústica que inaugura la canción estrella de Screamadelica y sentir unas ganas irrefrenables de desmelene. El paso de gigante que dieron Gillespie y sus secuaces tuvo en esta punta de lanza la semilla de una carrera gloriosa que nos ha dejado varios de los más trascendentales momentos del pop de los últimos 30 años.
Juanjo Frontera
14. The Smashing Pumpkins – Tonight, Tonight
«Tonight, tonight» es la joya que nos abre las puertas de Mellon Collie and the Infinite Sadness, un álbum poliédrico y complejo. Nos invita a pasar irradiando misterio y optimismo a partes iguales. Billy Corgan confesó el carácter autobiográfico de la canción, al referirse a la huida del duro Chicago de su infancia para perseguir sus propios sueños. Un mundo de fantasía reflejado en el delicioso vídeo que recrea la magia de uno de los creadores del cine: George Mélies.
13. My Bloody Valentine – Only Shallow
La leyenda persigue a Loveless (1991), todo un clásico de la música contemporánea. Una sinfonía ruidista que casi arruinó al sello Creation por los cientos de horas de estudio que reclamó en perfeccionista y genial Kevin Shields para terminar de darle forma. El resultado valió la pena, pues es un álbum fundamental para entender el noise, el shoegaze y la distorsión que ha llegado hasta nuestros días. Basta situarse ante esta «Only Shallow» que lo abría -si es posible a un volumen considerable o con unos buenos auriculares-, para entenderlo todo.
Pablo Almendros
12. Prodigy – Firestarter
Yo vistiendo una chaqueta reflectante de basurero robada y colgando una mochila de Sega Mega-Drive al concierto de los primerísimos Daft Punk en la Canciller; Tú lamiendo las paredes de un tugurio de Aluche mientras bailabas como un poseído «Firestarter». Keith Flint haciéndose una paja drogado celebrando que Liam Howlett le anunciase que Prodigy había llegado por primera vez al Nº 1 en USA. Definitivamente, como para no llamar sucedáneo a esto que antes era vida. Trae el fuego, que todo arda para que resurja de las cenizas la sangre del peligro desafiante frente a la docilidad violenta de tanta horchata enmascarada.
Raúl del Olmo
11. Massive Attack – Unfinished Sympathy
Los cinco minutos más ejemplares de la música de los 90 son los que contienen las notas arrebatadas de “Unfinished Symphathy”. Con Blue Lines (1991) los de Bristol rompían la baraja e instauraban nuevos paradigmas en la música pop. Esto es soul, es hip hop, es góspel, es muzak sonoro, es música de cámara, es la vida atrapada en unos surcos que giran y giran y giran.
Luis Moner
10. Los Planetas – Segundo Premio
¿Hay algo que provoque una desazón mayor que esperar un día tras otro que llegue una llamada, una señal de vida que sabes que nunca llegará? En esa desesperación, sumando días al calendario y restando noches de sueño, surgió la necesidad de grabar una obra maestra titulada Una Semana En El Motor De Un Autobús, en la que se encuentra esta oda al no romanticismo y a la necesidad de recuperar el alma después de que alguien se encargara de asesinarla.
JJ Caballero
09. Oasis – Supersonic
Ya solamente la muy ingeniosa rima “I’m feeling supersonic, give me gin and tonic” concede todo el crédito a Oasis y es que cada detalle de esta tonada suena de modo imperial e imprescindible. Toda la letra es un atractivo collage de frases sueltas y el propio compositor Noel Gallagher aseguró que es su canción favorita de la “top band” de Manchester (¡y la mía también!). El bajo puesto (nº31) de este espectacular single en las listas de Reino Unido, implica una de las injusticias más descomunales e inexplicables de toda la cronología rock.
Txus Iglesias
08. Pulp – Common People
Los chicos de Sheffield, liderados por el carismático Jarvis Cocker, compusieron en 1995 uno de los discos que marcaría el Britpop, titulado Diferent Class. Con la precisión de un cirujano, Jarvis radiografió el resentimiento que significa la romantización de la precariedad. «Common People», canción que nunca llegó a la primera posición en ningún país, demostró que se podía hacer música política que no fuera panfletaria. Una letra mordaz e irónica que generaría escuela. Seguramente, el discurso político musical de hoy en día sería completamente diferente sin esta canción.
Víctor Terrazas
07. Beck – Devils Haircut
«Devils Haircut» nos abre las puertas al extraordinario y caótico mundo que se esconde en el Odelay de Beck. Este primer tema nos ofrece un riff garajero prestado del “I can only give you anything” de los Them, un acompañamiento funk, elementos psicodélicos, fraseos de armónica, varios cortes sampleados y los versos finales gritados a lo estrella del hardcore. Beck fusiona todos los géneros y sonidos que le apetecen y los vuelca en una misma canción si es necesario. Del country a la electrónica, pasando por el folk, el hip hop, el blues o el soul; el genio californiano trasciende todos los estilos musicales y los reinventa mientras disfruta jugando con ellos.
Edu Puig
06. Suede – The Wild Ones
Dog Man Star (94) ha quedado –tanto en el imaginario colectivo como en el seno del propio grupo– como el mejor disco de Suede. Una de esas obras impecables de principio a fin, además de inmune al paso del tiempo con su dramatismo y elegancia distribuidas a partes iguales. “The Wild Ones” fue el segundo single extraído de la referencia y, sin duda, es una de las canciones más bellas dentro de ese repertorio ya clásico de Brett Anderson y compañía.
Raúl Julián
05. R.E.M. – Drive
Tras el espectacular éxito de su álbum Out of Time, R.E.M. dejó de ser una banda de culto en determinados círculos universitarios para convertirse en todo un fenómeno de masas. Con la confianza que da el reconocimiento unánime buscaron un nuevo registro alejado del folk pop más desenfadado de su anterior trabajo, y sorprendieron con un disco más sombrío e introspectivo Automatic for the People, posiblemente su gran obra maestra. El primer tema «Drive» no necesita de estribillo para captar toda nuestra atención, la canción nos atrapa con los arreglos orquestales de John Paul Jones que encajan a la perfección con el resto de la banda y la críptica narración de Michael Stipe. «Drive» es solo el inicio de un disco que hay que escuchar siempre hasta el final.
Edu Puig
04. Blur – The Universal
Si el 94 fue el año dorado del Britpop el 95 fue el año en que el movimiento tuvo más repercusión mediática y todos los grupos lucharon y se esforzaron por crear su obra más imperecedera. En el epicentro, como no, la batalla Blur vs Oasis, dos discazos y un puñado de canciones geniales. Por parte de los londinenses «The Universal» es su canción más ambiciosa, con sus arreglos orquestales, ambientación etérea, estribillo épico y su videoclip inspirado en Stanley Kubrick.
Carlos Artero
03. Nirvana – Smells Like Teen Spirit
No hay duda de que Nirvana fueron el grupo más emblemático de los 90 y que su éxito superlativo cambió la industria musical. Nevermind rompió la baraja y logró que el planeta musical fijara su punto de mira en Seattle y que la generación MTV se identificase con esa cuadrilla de perdedores vocacionales anti-liderada por Kurt Cobain. Sí, del grunge ya no queda ni rastro, pero suenan los primeros acordes de «Smells like teen spirit» y es imposible no mover la cabeza una vez más.
Edu Cornejo
02. Depeche Mode – Enjoy The Silence
La aproximación a un sonido más orgánico y rockero de Depeche Mode, baluarte de la electrónica 80’s, tendría la definitiva plasmación en Songs Of Faith And Devotion (1993), pero en los albores de la década, a modo de idónea bisagra, comenzó a distinguir los adelantos de su maravilloso Violator (1990). Y allí, deslumbrante e imperecedera, se alzaba la canción más incontestable de su catálogo. Un Martin Gore en estado de gracia a la composición, con una de las melodías más memorables e inspiradas de aquellos años, se fusionaban a la perfección con un David Gahan que jamás cantó mejor, con más aplomo, calidez y poder de seducción. La cumbre de una de las formaciones con un sentido de la sensualidad y la elegancia más ejemplar.
Pedro Rubio
01. Radiohead – Paranoid android
¿Se puede decir, a estas alturas, algo que no se haya dicho ya sobre «Paranoid Android», la canción más influyente de la banda más influyente de los 90, y una de las que genera pasiones más enfrentadas? La respuesta es, claramente, no. Pero es remarcable que su legado discurra por una ristra de bandas más o menos descaradas a la hora de incorporar su peculiar sonido y que, aún así, haya quien los considere sobrevalorados.
Raquel García
(Carátula Las mejores canciones de la década de los 90: Álvaro de Benito)
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