Se cierra la edición 24 del In-Edit, el festival barcelonés que lleva la música de los auriculares a la sala de cine y que se ha convertido ya en cita imprescindible para melómanos curiosos.
Este ha sido el año de las visitas de Fermín Muguruza, Carla Simón o Zach de la Rocha, entre otros muchos. De la clase magistral de la productora Canada a películas de Bowie y Califato ¾ o del pase extra de Pulp. De Omega, de inteligencia artificial y de vídeos musicales.
Como siempre, ha habido sold outs, aplausos, risas y lloros (doy fe, Sr. Bowie). Nostalgia y descubrimiento. Viajes a músicas desconocidas, artistas grandiosos y géneros muy minoritarios.
Y entre todas las películas de la parrilla, estas son las cinco con las que queremos rendir tributo a la riqueza ecléctica de su programación.
September Songs: The Music of Kurt Weill
En 1995, el cineasta canadiense Larry Weinstein firmó este experimento sobre la figura de Kurt Weill, que el In-Edit ha rescatado para esta edición en su reciente versión restaurada.
Coherente con el legado del compositor alemán, la película reimagina su obra en el formato popular que el propio Weill persiguió a lo largo de su carrera, desdibujando la frontera entre la música culta y la popular.
La película, en formato videoclip, reúne a una sucesión de artistas heterogénea en una fábrica en desuso que evoca la Alemania decadente de entreguerras, para que cada uno traduzca a su propio lenguaje la obra de Weill.
Este cruce de estilos da forma a un mapa sonoro muy particular en el que Nick Cave explota su vertiente dramática; Lou Reed revisa “September Song” con su estilo crudo y Elvis Costello y el Brodsky Quartet dan emotividad a “Lost in the Stars”. PJ Harvey juega con la tensión más poética y Mary Margaret O’Hara con la fragilidad vocal y una buena dosis de melancolía.
Y la paleta se ensancha saliéndose de los derroteros del pop, con la aproximación operística de Teresa Stratas en “Surabaya Johnny” o el bizarrismo cabaretero que despliega David Johansen.
September Songs: The Music of Kurt Weill documenta un personaje que quiso unir la música más académica (clásica, ópera) con el vodevil berlinés o la música tradicional, en un ejercicio de reinterpretación que, aunque a ratos peca de juntar estilos alejados que la hacen lenta, es un experimento de lo más fascinante.
The Last Critic
Autoproclamase “El Decano de los críticos de rock americanos” suena pretencioso. Pero si firmas 18.000 reseñas a lo largo de cinco décadas de carrera profesional, te has ganado el apelativo, amigo.
The Last Critic no oculta su intención fundamental: ser un tributo a la figura de Robert Christgau, firma imprescindible en cabeceras musicales como Rolling Stone, Spin o la mítica The Village Voice.
Bajo la fórmula clásica del documental de perfil, la cámara acompaña a un octogenario Christgau y a su esposa, la también escritora Carola Dibbell, por las calles de Nueva York para reconstruir su trayectoria.
En el camino, compañeros de profesión y músicos completan el relato alternando el reconocimiento a su carrera con el recuerdo de una convivencia a veces compleja, inevitable cuando se cruzan un carácter sin filtro y unas críticas despiadadas (que se lo digan a Thurston Moore, al que aún le escuece).
Sin ser una maravilla, solo por asomarse a su claustrofóbica oficina – con paredes literalmente cubiertas de miles de discos y libros – y por descifrar su célebre y peculiar sistema de puntuación, merecen la pena los 83 minutos de metraje.
Bowie: The Final Act
En lugar de caer en el mero retrato adulador que sugiere su título, Bowie: The Final Act da la sorpresa arrancando en una de las etapas más complejas y castigadas del artista: los años noventa. Una época en la que la crítica fue despiadada, la industria le dio la espalda y el propio Bowie tuvo que lidiar con el fantasma de la irrelevancia.
A partir de ese bache, el documental relata su gran resurrección artística, intercalando miradas al pasado que explican su peso como figura capital de la cultura pop hasta Blackstar, el último truco de magia con el que convirtió su propia mortalidad en una obra maestra.
A través de testimonios de colaboradores cercanos como Earl Slick o Hanif Kureishi, y especialmente emotiva la de Tony Visconti, y material de archivo muy cuidado, la película funciona bien porque muestra la disciplina, las dudas y la vulnerabilidad de un artista empeñado en reinventarse, incluso en sus últimos momentos.
Los minutos finales, al ver «Lazarus» sabiendo todo lo que rodeó aquel rodaje en sus últimas semanas de vida, nos dejaron a más de uno con un nudo en la garganta. Y calló alguna lagrimilla.
The Best Summer
Vamos a dejar una cosa clara: a pesar de que las películas que grabó tu abuelo en Mallorca con su primera video cámara son un documento entrañable de historia familiar, dudo que ni tú ni yo las califiquemos de película. Pues esto es un poco es lo que le pasa a Best Summer.
Cuando los incendios de Malibú obligaron a la directora de cine Tamra Davis a evacuar su casa, reapareció en un cajón el archivo doméstico de una gira de 1995 por Australia y el Sudeste Asiático (ahora mítica), que reunió en el mismo cartel a Beastie Boys, Sonic Youth, Beck, Foo Fighters, Rancid, Pavement, The Amps y Bikini Kill, en pleno auge del indie.
Davis se pasea por el backstage sin más ambición artística que dejar constancia de aquel instante (vaya, como el abuelo) inventando una supuesta entrevista naíf que incluye preguntas tan tontas como tu color o tu comida preferida.
El documental final reúne este metraje recuperado y ordenado por cada ciudad de la gira. Y expone una versión joven e inocente de los ídolos de la generación indie rock, apoyándose en la pura inercia del material inédito. Por mucho que queramos etiquetarla de found footage, la película se sostiene en última instancia sobre la irresistible fuerza de la nostalgia. No es poco, pero.
40 Years of Fuckin’ Up: A Film By NoFX
Cuando al incansable Fat Mike le recomiendan dejar el alcohol por motivos de salud, descubre la cruda realidad: sobrio, es incapaz de enfrentarse al escenario noche tras noche. Para no dejar en la estacada económica a sus compañeros, la solución pasa por programar una gran gira de despedida. Este insólito punto de partida sirve de detonante para este documental que recorre las cuatro décadas de historia de NoFX.
Fiel al espíritu de la banda, la película rechaza la nostalgia complaciente y prefiere adentrarse en sus trapos sucios y grietas internas. Disputas legales, peleas y excesos desfilan por la pantalla para explicar cómo un proyecto alimentado por el caos absoluto logró mantenerse fiel durante cuarenta años a su filosofía do it yourself, rentabilizando el negocio.
Más que un tributo al uso, la cinta funciona como el testamento para los fans de uno de los nombres fundamentales del punk melódico. Un descenso inmersivo a su universo particular donde conviven alcohol, drogas, BDSM, provocación y el afán por no dejar nunca de divertirse. Y humor, muchísimo humor (a veces muy negro) marca de la casa.
Sin embargo, al encenderse las luces, inevitablemente te quedas con una duda cuánto de lo que aparece en pantalla forma parte de la realidad y cuánto es fruto de las calculadas fabulaciones de Fat Mike, una mente tan lúcida como pragmática que lleva décadas controlando los hilos del grupo con mucha inteligencia.
En cualquier caso, es un documental divertidísimo y a ratos hasta emotivo (¡). Y la parte documental de los inicios de la banda (fotos y grabaciones de hace 40 años o más) es impagable para los fans.
Recuerda que tienes la sede online de In-Edit en CaixaForum+ con una selección de 15 títulos, accesible hasta el próximo 22 de noviembre.
