El Ciclo Terral siempre se ha caracterizado por aglutinar en su programación una oferta variada y consistente de artistas de distintos estilos y generaciones, con un carácter ecléctico y estimulante.
En su edición de 2026 asistimos a cuatro de sus conciertos, los cuales vinieron a corroborar el estándar de calidad que garantiza el contar con un catálogo de propuestas tan interesante, en un contexto de indudable encanto como es el del Teatro Cervantes de la capital malagueña, que mostró un aspecto más que saludable en la totalidad de las citas.
Nacho Vegas – 24 de junio
La unanimidad ha encaramado al último lanzamiento de Nacho Vegas, Vidas Semipreciosas (Oso Polita, 2026), a un lugar destacado en un hipotético top dentro del ranking de inspiración que atesora el cantante y compositor asturiano. La entrega en cuestión, combina su característica lírica, mordaz y afilada, con melodías que abarcan los distintos registros por los que tan bien se mueve el otrora componente de los seminales Manta Ray. Sobre las tablas del Teatro Cervantes ofreció un solvente recorrido por todas sus etapas, con especial foco en su reciente álbum, como es lógico, del que brillaron especialmente las angulosas tomas de “Alivio”, perfecto pistoletazo de salida, la profunda “Tiempos de Lobos” o ese sentido homenaje a su madre, Cristina Vegas, en una “Fíu” que fue recibida con honores por la audiencia. No faltó el Vegas activista, permitiendo que un grupo de representantes del colectivo “Málaga Para Vivir” subiera al escenario para recordar la manifestación del pasado sábado con el objeto de reclamar un acceso digno a la vivienda y unos sueldos acordes con los tiempos que vivimos.
Acompañado por una banda de auténtico lujo, conformada por Manu Molina, Joseba Irazoki, Hans Laguna, Ferran Resines y Miren Narbaiza, las revisiones de hitos del calibre de “Como Hacer Crac”, “Nuevos Planes, Idénticas Estrategias” o “La Gran Broma Final”, resonaron inquietas y zozobrantes, manteniendo su peculiar latido y reclamando una y otra vez su condición de historia viva del rock de aquí. “Deslenguarte”, ese tour de forcé retorcido cuyo devenir mutante en su grabación original con Albert Pla noquea y deja sin aliento, funcionó con mirada cómplice y robusto sustento vocal a cargo de Irazoki yNarbaiza, del mismo modo que“Mi Pequeña Bestia”mostró orgullosa su condición de single redondo, subrayando la pericia de Vegas para dar con melodías redondas cuando se pone a ello. Sus conciertos actúan como catalizadores de la respuesta social ante las derivas cada vez más vertiginosas que nos oprimen sin descanso, aglutinando poesía comprometida con formas clásicas en lo musical, orbitando espacios comunes a David Bowie, Leonard Cohen o Bob Dylan.
La caricia folkie de “Ser Árbol” planteó la despedida antes de la catarsis colectiva de “La Pena o La Nada”, culminando algo más de hora y media de sólida comunión entre público y artista, convencidos de que en su unión radica la fuerza de un discurso más necesario que nunca.
Rocío Márquez y Perdo Rojas Ogáyar – 25 de junio
Himno Vertical (Delirioyromero Producciones, 2025) supuso una nueva vuelta de tuerca en el atrevido y desacomplejado modo de proceder de Rocío Márquez, a la que hace ya tiempo que las etiquetas se le quedan demasiado cortas cuando se trata de describir su creación. Su nuevo espectáculo junto al excelso guitarrista jienense Pedro Rojas Ogáyar, apenas ofrece espacio para el respiro, articulado en base a un despliegue escénico que ejerce como contexto inmejorable para que las distintas pieles que habitan su reciente cancionero, rasguen el alma y vuelvan a dejarnos boquiabiertos buscando respuestas.
La artista onubense, referente a la hora de abrir multitud de puertas dando la espalda a los espacios comunes y ya transitados, dejó latente un escalofrío que aún palpita en su inconfundible quiebro sobre los rincones de la magna estructura en la que ya antes sacudió cimientos con Bronquio al ritmo de ese descomunal Tercer Cielo (Universal Music, 2022).
Los vestigios de seguiriya, soleá, tangos o bulerías, asomaron ataviados con una presencia desafiante y nada convencional, convirtiendo lo vivido en una experiencia que requiere de atenta inmersión. La interacción entre Márquez y Ogáyar contribuye a crear una atmósfera hipnótica, redondeando un espectáculo que interpela al espectador y cuyo eco resuena en la memoria días después, como lo hacen los grandes acontecimientos.
Kiko Veneno – 26 de junio
Ante un teatro abarrotado, el incombustible Kiko Veneno y su imponente “Banda del Requiebro”, integrada por Jimmy González a la batería, Rafael García “Fae” a las percusiones, Juan Ramón Caramés al bajo y contrabajo, José Torres a la guitarra flamenca, Álvaro Marabot a las guitarras acústica y eléctrica, Anabel Pérez, a los teclados, percusiones y coros y Willy Leal, a las percusiones y coros, desplegaron un triunfal recorrido por un repertorio con mucho de referencial para tantos y tantos artistas a lo largo y ancho de nuestra geografía.
Tirando de su habitual tono socarrón y despreocupado, el de Figueres no escatimó en ganas y entrega, llevado en volandas por un sinfín de clásicos como “En Un Mercedes Blanco”, “Echo de Menos”, “Reír y Llorar”, “Joselito”, “Dice La Gente” o “Volando Voy”, haciendo parada en recientes hallazgos como ese dúo triunfal con C. Tangana “Los Tontos”, o celebrando tótems como esa eterna “La Leyenda del Tiempo” de Camarón de la Isla, en la que él mismo participó,con una base rítmica no tan alejada de Los Planetas más espectrales. Tampoco faltó espacio para la intimidad, con la versión en solitario de “Me Siento En La Cama”, que arrancó una ovación atronadora entre la audiencia.
La conexión banda-público fue tal que nadie quería que aquello acabara, reivindicando el peso de un repertorio que no solo resiste orgulloso al paso del tiempo, sino que conforme este pasa, se reivindica en toda su vigencia. La fiesta en la que la rumba era la principal invitada, como leitmotiv de su inminente nuevo disco del que avanzó hasta siete temas, acabó convertida en una bacanal de fusión desprejuiciada y triunfal con los asistentes bailando, aparcando por un momento ese contexto solemne que se identifica con el teatro.
The Pains Of Being Pure At Heart
Diecisiete años después de que el debut homónimo de los neoyorquinos The Pains Of Being Pure At Heart asaltara la banca, con su inspirada mezcla de guitarras distorsionadas, melodías infecciosas y una imagen entre lo cool y lo naive , ha quedado claro en su nuevo paso por nuestro país que, por mucho que pase el tiempo, esas canciones con espíritu Sarah Recods, empapadas en noise medido y saneado, como una versión que podrías presentar a tus padres de The Jesus & Mary Chain con estribillos a lo The Pastels o The Smiths, son parte de la banda sonora de muchos de los que nos dimos cita un domingo de verano cualquiera en el Teatro Cervantes. Y es que las canciones de Kip Berman tienen ese encanto atemporal que les hace resistir cualquier envite, sonando frescas y turgentes a cada vuelta, sin necesitar grandes alardes, dando en el clavo sin proponérselo.
Poco importa que no sean los mejores músicos, que la voz de Peggy Wang quede algo sepultada entre murallas de ruido (tremendo enfado de Berman por el horroroso sonido de la inicial “Contender”), cuando avanzan imparables los fogonazos acelerados, mezcla de ímpetu e inocencia, de “Come Saturday” o el pulso circular de “Young Adult Fiction”. No hacen falta grandes teorías, ni análisis sesudos, solo dejarse llevar por el grácil trote de “A Teenager In Love” o por el hipnótico desarrollo de la descomunal “Everything With You”, para entender por qué algunas canciones son para siempre y otras no.
No faltaron las paradas en las infalibles “Higher Than The Stars”, “Heart In Your Heartbreak”, ese guiño a los Smashing Pumpkins más pop (y más sintéticos) de “Belong” o un sentido broche de oro con “Say No To Love” a cargo de un siempre encantador Berman en solitario. Al final, ovación atronadora y sensación general en la que predominaban las ganas de que quedarse a vivir en ese instante de eterna juventud.
Antes abrió Ismael Cámara de los granadinos Apartamentos Acapulco, que ofreció un set variado y dinámico acompañado por parte de su banda, en el que dejó caer algunos temas de lo que será su nuevo disco, a publicar en el mes de agosto bajo el título de Todos Quieren Ser Los Campeones. En su fórmula, similares ingredientes a los de The Pains Of Being Pure At Heart: voces en segundo plano, mareas de guitarras a tope de fuzz, y un afinado sentido de la melodía.
Fotos Kiko Veneno y Rocío Márquez (Carlos Díaz Martín) / Fotos Nacho Vegas y The Pains Of Being Pure At Heart Jose Megía
